La Estructura

Es un mito que un arquitecto sólo se encargue de la fachada exterior o interior de un edificio, sólo del diseño y sólo de que se vea bien. Un arquitecto está involucrado en la estructura, en el esqueleto, del edficiio, no es que los ingenieros estrucutrales estan a cargo de todo eso. La estructura es el esqueleto de un edificio y un arquitecto debe ser capaz de usar la estructura para fortalecer o acentuar el espacio. Son dos cosas que van de la mano y se complementan.

La estructura se basa en un concepto racional. Debe haber coherencia, es decir que debe de existir una relación entre las medidas y su proporción. Hace más de mil años, cuando sólo se construia con ladrillo y había algo de conocimiento sobre el concreto, se inventó el estilo abovedado por necesidad. Para alzar iglesias megalíticas era necesario este nuevo sistema. Un perfecto ejemplo de esto es la iglesia de Notre Dame, en ella se puede apreciar un buen uso de la estructura para complementar el espacio gótico y memorable que habita dentro.


Foto: Interior de Notre Dame, se puede ver el techo abovedado creado para alzar techos altos.


Foto: Notre Dame, Paris, Francia
Nota: En la parte trasera de la edificación se ven las numerosas columnas las cuales apesar de ser sumamente importantes estructuralmente, acentúan el estilo gótico estéticamente.

Santiago Calatrava

Un gran ejemplo de esta relación espacio-estructura la hace el gran Santiago Calatrava, un arquitecto, escultor e ingeniero estructural español el cual es considerado parte de la élite moderna de diseñadores. Calatrava, siendo un diseñador binario, es capaz de usar su conocimiento del diseño con el estructural para crear cosas impresionantes que le han hecho un nombre. Un excelente ejemplo de su dominio de ambos mundos es el Turning Toros. Un edificio de 54, basado en una escultura de Calatrava, el cual va girando mientras crece. Casa piso gira un poco, de esta manera al unirse todos los pisos se crea el efecto deseado.


Foto: Turning Torso, Malmö, Suecia

Renzo Piano y Richard Rogers

Ambos gigantes de la arquitectura y ganadores del premio Pritzker. Juntos diseñaron el Centro Georges Pompidou en Paris. Esta estructura es sumamente interesante ya que es estética y a su vez funcional. Como el espacio interior iba a ser usado para exposiciones de arte, Piano y Rogers decidieron hacer una especie de carpa de acero, en la cual es espacio no era algo fijo sino algo moldeable. De esta manera el espacio se adecua a cualquier exposición futura.



Foto: Centro Georges Pompidou, Paris, Francia

Félix Candela

Fue un arquitecto e ingeniero mexicano, el cual contribuyó en gran parte a la estructura al desarrollar edificios usando caparazones delgados hechos de concreto reforzado. Sus obras tienen un aire del estilo de Calatrava, pero Candela le precede. Su proyecto, L'Oceanogràfic, demuestra su inovación en el área de la estructura. La obra se forma usando delgadas curvas para darle una apariencia natural. L'Oceanogràfic reproduce distintos ecosistemas marinos, su lago sirve como puente entre estos mundos.


Foto: L'Oceanogràfic

Fuentes
http://en.wikipedia.org/wiki/F%C3%A9lix_Candela

Frank Gehry

Nació como Ephraim Owen Goldberg, pero es mundialmente conocido por el nombre de Frank Gehry. Es un arquitecto Canadiense, ganador del premio Pritzker, el cual ha usado sus obras subjetivas para convertirse en un ícono de la arquitectura.

Estilo

El estilo de Gehry es sumamente subjetivo, sus trabajos parecen salidos de un sueño o de una película de ciencia ficción y a la primera vista parecen irreales. El mismo Gehry dice que sus ideas vienen de imágenes como cuadros o el movimiento de las velas en un barco (una imagen descrita por uno de sus clientes). En el video que vimos en clase, Sketches of Frank Ghery, dirigido por su gran amigo Sydney Pollack, hablan sobre cómo a Gehry se le alienaba en el mundo de la arquitectura. Los demas arquitectos no se tomaban en serio sus trabajos, es por esto que comenzó a juntarse con personas del mundo del arte. Según él, se sintió más aceptado y más cómodo, Gehry no era un arquitecto sino un artista.



Fotos: Edificio IAC
Nota: Para este proyecto Gehry se inspiró en un barco con velas el cual su cliente describió como un sueño.

Al comenzar su carrera Gehry se encontró con un mundo comercial el cual no entendía sus obras, sin embargo decidió seguir su propio camino al ser fiel a su estilo y no al conformarse para conseguir trabajo. Según él, su estilo nació cuando asistió a una charla de arquitectura en la cual mencionaron al arquitecto finlandés Alvar Aalto. Inmediatamente Gehry se enamoró de sus obras y buscó formar un estilo propio el cual se viera influenciado por los trabajos de Aalto.


Foto: Finlandia Hall, Helsinki Finlandia
Arquitecto: Alvar Aalto
Nota: Fue el estilo de Aalto el que influenció a Gehry en el suyo

El estilo de Gehry puede ser clasificado como deconstructivista. Muchos arquitectos conocidos caen en este género, personajes como Zaha Hadid y Rem Koolhaas para nombrar algunos. El deconstructivismo es un estilo el cual desacuerda con la idea de que la forma sigue a la función. Se juega con la idea de la fragmentación y se evita el uso de un pensamiento rectilíneo, se distorciona ciertos elementos del diseño y se manipula la superficie del objeto para lograr un producto inusual. Al deconstructivismo se le puede ver como caos controlado.


Foto: Experience Music Project, Seattle, Washington
Nota: Aquí se aprecia el estilo deconstructivista de Gehry, usa formas inusuales e experimenta con formas y curvas.

Critisimo

Por mas que las obras de Gehry sean sorprendentes y conocidas internacionalmente, hay ciertos aspectos negativos en ellas, la mayoría se enfoca en el diseño. Muchos arquitectos funcionalistas dicen que Gehry desperdicia material en hacer formas sin ningún uso, es decir que algunas partes de sus obras no tienen función en absoluto. Personalmente estoy en desacuerdo con esto, ya que en el estilo de Frank Gehry es necesario estas formas y gasto de material ya que refuerzan la parte subjetiva de su estilo. ¿Cómo alguien puede armar un sueño a la mitad? Sin estos derroches la obra de Gehry sería insípida y parcial.

Otro problema de los diseños son que roban mucho la atención, esto se aplica para cosas como museos. Hay arquitectos que opinan que si vas a hacer un museo, éste no debe acaparar toda la atención, es decir no debe menoscabar las obras que lleva dentro. También estoy en desacuerdo con esto. ¿Porqué alguien va a contratar a Frank Gehry para hacer un museo que no resalte o uno que sea simple? Otras críticas hablan de que las obras de Gehry no encajan en su alrededor (Algo absurdo ya que la gracia de las obras de Gehry es uqe resalten y parezcan ajenas, como algo cósmico u onírico) y que no están diseñadas para el clima del lugar.


Fuentes
http://en.wikipedia.org/wiki/Frank_Gehry
http://en.wikipedia.org/wiki/Deconstructivism
http://en.wikipedia.org/wiki/Alvar_Aalto

El Centenario

Su nombre completo es Oscar Ribeiro de Almeida Niemeyer Soares Filho, nació en 1907 y es concido mundialmente como Oscar Niemeyer, un arquitecto brazilero centenario y revolucionario. Con 102 años de edad, Niemeyer es considerado un pionero de la arquitectura con concreto reforzado y fue este elemento constructivo el que le permitió explorar las posibilidades de romper todo lo recto y cuadriculado para enfocarse en lo estético: Las curvas. Son ellas las que embellezen sus obras y forjan su estilo.


La forma


Foto: Museo de Arte Contemporáneo de Niterói, Río de Janeiro, Brasil

La forma de las obras de Niemeyer es algo que siempre ha resaltado, apesar de su aspecto inusual e inovador, son subjetividad pura. En las palabras del mismo Niemeyer:

No es el ángulo recto que me atrae, ni la línea recta, dura, inflexible, creada por el hombre. Lo que me atrae es la curva libre e sensual, la curva que encuentro en las montañas de mi país

En el video que vimos en clase, él explica que las curvas son algo bello ya que son como una mujer. El cuerpo de una mujer es atractivo debido a ellas, son las curvas las que definen la sensualidad y la belleza, Niemeyer logró entender esto y lo aplicó a sus obras.

En una parte del video, Nieyemer explica cómo al ver las nubes se imaginaba distintas edificaciones e infinitas formas que iban apareciendo. Dice que la arquitectura es algo onírico y sin reglas o límites. En la arquitectura no existe lo antiguo ni lo moderno, sino lo bueno y lo malo. Esto nos dice que las edificaciones deben ser atemporales, deben existir desde siempre o aparentarlo y a la misma vez deben ser atractivas.

La situación


Foto: Catedral de Brasilia

La historia de Oscar Niemeyer nos enseña que la situación en un país influye altamente a la arquitectura, esto puede ser en el diseño o en el motivo. Niemeyer era miembro del Partido Comunista de Brasil y siendo un comunista muy entusiasta siempre se preocupaba por su pueblo y tenía en cuenta que existía una sensibilidad social.

En el video de clase Nieyemer menciona que siempre soñó con ver una America Latina unida, es por esto que tomó una desición al volverse comunista y en vincularse con muchos pensadores socialistas al mudarse a Francia durante la dictadura militar en Brasil. El arquitecto brasilero quiso darle a su país algo único en el mundo, usó su arquitectura como un medio para elevar a Brasil de los demás países. Ésto nos demuestra que la forma en la arquitectura esta altamente influenciada por la cultura y el sentimiento. Otro ejemplo que demuestra el altruismo social de Niemeyer es el Memorial da America Latina, un proyecto de Niemeyer en el cual se exponen trabajos latinoamericanos y promueve eventos.


Foto: La Mano, escultura de Oscar Nieyemer
Nota: Representando la sangre está en rojo el mapa de Latinoamérica. Esta escultura es un mensaje de libertad a un continente oprimido por la colonización y en busca de una identidad y una emancipación.

En 1956 el urbanista Lúcio Costa escoge a Niemeyer (Gracias a una propuesta del presidente en ese entonces, Juscelino Kubitschek) para trabajar en la nueva capital de Brasil. Niemeyer se dedicó a la parte arquitectónica mientras que Costa diseñó el plan urbano. Entre los edificios diseñados por Niemeyer se encuentra el Palacio de Alvorada, el Congreso Nacional, el Palacio de Planalto, entre otros. Como Brasilia era un llano plano y sin montañas o rocas que le dieran paisaje, era la arquitectura serpentina de Niemeyer la que se lo daba con mucha honra.


Foto: Palacio de Alvorada
Nota: Las columnas tienen un diseño anormal con un cimiento muy delgado

Ya que la zona en la que Brasilia fue construida era una zona no sísmica, Niemeyer pudo expresarse sin ningún problema ya que no se le limitaba con ningun problema estructural o antisísmico. Es por esto que en algunos edificios de Brasilia las columnas son sumamente delgadas e irreales.


Fuentes:
http://www.arqhys.com/articulos/arquitectura-forma.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Memorial_da_America_Latina
http://es.wikipedia.org/wiki/Oscar_Niemeyer

El Guggenheim

Una obra que le costo 16 años, 700 bocetos y 6 diseños diferentes al legendario Frank Lloyd Wright. El museo inauguró el 21 de octubre de 1959, sólo seis meses antes de que Wright muriera. Se le considera una de sus obras maestras y un ícono cultural. Éste edificio es un buen ejemplo de como la perfección demora y de como una idea puede ir evolucionando hasta alcanzar su auge creativo y funcional.

Una de sus características más llamativas es su volumen en forma de espiral. Éste, apesar de ser modernista e impactante para la época, es muy funcional a su vez ya que apesar de servir como una especie de escalera para elevarse dentro del edificio, sirve como un pasaje. El recorrido del museo lo crea éste volumen, al ir subiendo uno va avanzando en el recorrido.


Foto: Interior de la espiral

El Territorio

¿Qué es el territorio?

El territorio es el lugar donde se va a situar un proyecto, tiene características determinadas. Este ambiente debe ser respetado por el proyecto, de ninguna manera debe de ser degradado, modificado negativamente y mucho menos ser destruido. Un buen arquitecto es alguien que a pesar de respetar el ambiente donde trabaja logra armonizar su idea con él, es alguien que hace funcionar su idea en el terreno dado. A esta relación entre el mundo habitado y la naturaleza se le denomina arquitectura orgánica, es la naturaleza la que inspira el diseño y es el diseño el que crece a partir de la naturaleza.

La casa de las Cascadas

Un buen ejemplo de este concepto sería la Casa de las Cascadas de Frank Lloyd Wright. La leyenda dice que el legendario arquitecto armó el proyecto en un par de horas, sin embargo no es que lo haya improvisado en el mismo momento. Todo comenzó cuando Frank Lloyd Wright llevó a sus aprendices a tomar medidas del terreno donde se iba a ubicar la casa del empresario Edgar Kaufmann, las medidas fueron sumamente minuciosas y precisas. Después de 6 meses de haber medido el terreno, Kaufmann, el cual se encontraba a sólo 2 horas de la oficina de Wright, solicitó un avance del proyecto. Wright juntó a su equipo y en esta estrecha cantidad de tiempo diseñó lo que ahora es considerada como una de sus obras cumbres.

Muchas personas pensarán que Frank Lloyd Wright hizo el trabajo a ultimo momento y que no meditó nada antes de lanzarse a diseñar. La verdad es que en esos 6 meses en los que aparentemente no se hizo nada, el arquitecto se los pasó analizando y entendiendo el terreno. De esta manera el resultado fue una casa que no solo armoniza y encaja con su entorno, sino que parece como si perteneciera a él, como si siempre hubiera existido.


Foto: Casa de las Cascadas, Pennsylvania, Estados Unidos
Arquitecto: Frank Lloyd Wright

Una intuición de las cosas

Peter Zumthor

Arquitecto suizo del cual vimos un video de su proyecto de las Termas de Vals. Éste proyecto también muestra cómo el terreno debe de armonizar con el proyecto sin ser perturbado de alguna manera.

A lo largo del video Peter Zumthor nos explica de cómo él llegó a diseñar estas termas. Dice que buscó respetar el terreno y para hacer esto abrió la montaña e integró el edificio con ella. El efecto creado hace parecer como si las Termas de Vals fueran parte de la montaña.

Zumthor de ahi nos explica que la arquitectura es algo que nos da libertad y es algo que cuando uno lo ve piensa que siempre ha estado y que nunca ha sido creado, esto es gracias a la relación entre terreno y diseño. El interior de las termas emite una sensación de paz y es casi como un templo donde uno va a meditar y a relajarse. Para no estropear la sensación casi onírica de su proyecto, Zumthor decidió no colocar relojes para ´detener´ el tiempo. Eventualmente fue persuadido para colocarlos, sin embargo sólo puso 2 pequeños y así se mantiene el efecto de sueño.


Foto: Interior de las Termas de Vals

El techo de grass y las pareces de piedra las cuales parecen ser capaz de tierra de la cual se ha escavado para encontrar esta edificación, son las cosas que le dan vida al proyecto y la hacen fusionarse con su alrededor.




Fotos: Termas de Vals, Vals, Suiza
Arquitecto: Peter Zumthor

De La Medida De Las Ideas

En la clase de hoy discutimos el tema del espacio y nos dieron un fragmento de texto de Alberto Campo Baeza. En éste se discute la idea de espacio y de las medidas de estos, qué son y cómo se perciben. También hablamos sobre Mies van de Rohe y de como él revolucionó la idea de espacio con su ¨menos es más¨.

¿Qué es un espacio?

El diccionario define espacio como ¨Extensión que contiene toda la materia existente¨. Podríamos decir entonces que el espacio es lo que le sigue a la presencia de la materia, lo que la materia hace posible. Para crear un espacio es necesario dominar la luz y la gravedad ya que son con éstas cosas con las que la materia lucha y juega. Una iluminación es capaz de cambiar nuestra percepción de un lugar, el espacio cambia y se entiende con la luz.

También el tiempo influye en la creación de espacios. En distintas épocas del año la iluminación cambia y el espacio cambia con ella. Es por eso que ¨la luz construye el tiempo¨. Para dominar las fuerzas que construyen un espacio, se necesitan las medidas.


Las medidas de las ideas

Alberto Campo Baeza nos dice que las medidas son más que esenciales en la creación de espacios, ya que éstos deben estar en relación con las dimensiones del hombre. Por ende si un espacio está fuera de proporción para un hombre, ¿de qué serviría éste?. Para ilustrar el tema de las medidas, el autor del texto las compara con la música emitida por un violín. Si ésta está muy lejos, apenas vamos a poder percibirla y si está muy cerca podemos terminar siendo golpeados por el arco del violín. Es el balance entre la distancia y la potencia lo que hace que disfrutemos tranquilamente de la música del violín.

Siempre habrán ideas que funcionen con ciertas dimensiones y que se vean desastrosas con otras. Es igual con la luz, algunas medidas harán que un espacio se vea bien iluminado y proporcionado mientras que otras harán que éste se vea exsesivo y poco funcional.

Más adelante en el texto, Campo Baeza nos cuenta sobre una anéctoca casi legendaria de Mies van der Rohe. Dice ésta que Mies van der Rohe recibió una queja sobre su alumno, el cual decía que las medidas no tienen porqué ser tan precisas. Como respuesta el arquitecto le dijo al estudiante que su Casa Farnsworth podía entrar perfectamente por el óculo del Panteón Romano. En un acto casi surreal e impactante para todos los presentes, Mies van de Rohe hizo que la Casa Farnsworth pasara por el óculo con espacio de sobra. De esta manera demostró a su estudiante qué tan importantes son las medidas.

Ludwig Mies van der Rohe

Es un legendario arquitecto alemán y diseñador de muebles conocido por su arquitectura revolucionaria y su intensión por crear un nuevo lenguaje estético, el cual reflejara una nueva era. Mies van der Rohe buscaba el minimalismo estructural en sus obras y para hacer esto ocultaba las soluciones técnicas como los elementos estructurales. Para él, era el espacio el protagonista del proyecto y de esta manera evitaba que las personas se distraigan de lo verdadero. Sin Mies van der Rohe ninguna de las ciudades de hoy se verian como son, lo que él hacia en 1920 se ve futuristico hasta el día de hoy.

Un ejemplo de su obra es el Pabellón Alemán, el cual oculta los detalles constructivos como vigas o columas y logra usar elementos que son parte del espacio interior a la misma vez que del exterior. Es aquí donde las medidas juegan un papel importante en resaltar lo verdadero de lo demás. Todo el Pabellón Alemán está resuelto de tal manera que la estrucutra es mínima y oculta, sin medidas exactas esto jamás hubiera sido posible. Mies van der Rohe sabía que lo verdadero era la idea, el espacio en si, y no el esqueleto que lo sostenía y lo hacía posible. Otro ejemplo y posiblemente su obra más grandiosa, es el Edificio Seagram, el cual hizo en colaboración con el gran Philip Johnson. Este edificio ilustra el tema de ¨Menos es más¨, siendo simple y representando el mundo industrial contemporáneo.



Foto: Pabellón Alemán, Barcelona, España



Foto: Edificio Seagram, Park Avenue, Nueva York



Como diseñador de muebles, Mies van der Rohe también destacó. Dos ejemplos de su trabajo en esta área sería la Brno Chair y la Tugendhat Chair. Ambas sillas demuestran un diseño inovador e inteligente para usar el mínimo de materiales posible.

Sin embargo, por mas que Mies van de Rohe le haya inventado una nueva cara a la arquitectura, ignoraba una de las cosas más importantes de ella. Según el documental de la BBC, Visions Of Space, Mies van de Rohe podía pasarse días tratando de averiguar cómo ocultar los elementos estrucurales y por eso lo me ponía menos importancia a la funcionalidad del edificio y a los deseos de las personas que iban a usarlo.


Foto: Brno Chair

Las Nuevas Fronteras De La Arquitectura

La lectura que nos dieron en clase era un fragmento del libro Las Nuevas Fronteras de la Arquitectura, escrito por Oscar Newman. El texto habla sobre el planteamiento de los diseños en la arquitectura. Éstos en general comienzan como una solución directa al problema en vez de como una comprensión más profunda de él. El diseño es algo que debería irse desarrollando a base de la percatación del problema y no como algo de instinto y sin relación, es todo un proceso creativo.

Para ilustrar este tema, el Oscar Newman utiliza como ejemplo a las escuelas. Éstas son vistas como un conjunto de paredes, como algo físico. Las escuelas son lugares de aprendizaje en su escencia más primitiva, y son éstas las escencias e ideas (las primitivas, las más básicas) las que un arquitecto debe usar para afrontar un nuevo proyecto en vez de lanzarse con su instinto. Si uno se desvía de lo básico, el proyecto se vuelve algo que no cumple con lo que debería y esto es algo que pasa hoy en día. Hay muchos edificios que ignoran su objetivo principal y se desvían, si estos problemas se eliminan entonces tendríamos un mejor sentido del urbanismo.

Otro tema en el texto es el de la luz, la cual es capaz de cambiar nuestra percepción del espacio en el que estamos. La luz le da vida y forma a los espacios arquitectónicos, ésta va cambiando a mediado que pasa el tiempo con las estaciones y el clima, entre otras cosas.

En conclusión el texto habla de como el arquitecto moderno ya ido enfatizando cada vez más al diseño y ha ido opacando la funcionalidad de la estructura. Al final el diseño es la imagen, es la parte tangible del proyecto. Es lo funcional lo que hace al proyecto y no su imagen exterior.

¿Qué es la vocación?

Segun el diccionario, vocación es una inclinación a cualquier estado, profesión o carrera. Entonces mi vocación es la de arquitecto, ya que arquitectura es la carrera que estudio. ¿Por qué arquitectura? Desde niño siempre quise ser arquitecto, puede ser porque me gustaba armar cosas con lego o diseñar. Sinceramente creo que la principal razón fue por mi papá, el cual es arquitecto. Desde que tengo memoria él me llevaba a su oficina, donde podía ver todos los planos y maquetas de sus trabajos. Siempre me gustó ver como se pasaba de diseñar algo en un pequeño cuaderno a construirlo. Eso fue algo que se me quedó grabado, el hecho de poder diseñar algo en un papel para luego verlo hecho realidad.

De la separata que nos dieron en clase hay 20 requerimientos que uno debe tener para ser arquitecto. De estos 20 voy a nombrar los que me parecen los mas importantes para la profesión y para mi:

- Obsesión por el detalle: Si un arquitecto ignora detalles tales como acabados o imperfecciones en la estructurar u otras cosas, el proyecto puede perder su fuerza e identidad. Un pequeño detalle es el que hace una gran diferencia y si desarrollamos una minuciosidad podemos llegar a tener proyectos perfectos e impresionantes. Los espacios poéticos que hacía Kahn no se hubieran logrado sin su atención al detalle y mucho menos la Sagrada Familia de Gaudi, el cual esta plagado de pequeños detalles que hacen de la edificación algo trascendente.


Foto: Templo Expiatorio de la Sagrada Familia, Barcelona, España
Arquitecto: Antoni Gaudi

- Capacidad de nutrirse de otras disciplinas: ¿Que mejor manera hay para aprender que la de analizar obras que ya existen o de leer los libros de los arquitectos mas importantes del presente? Uno debe aprender de todo lo que tiene alrededor y de esa manera puede hacer su propio estilo, usando las cosas que mas le llaman la atención y le gustan. Nutriendose de otras disciplinas es lo que forma la influencia, y es ésta la que nos da ganas de diseñar y construir.

- Imaginación: Un arquitecto sin imaginación no es nada mas que un ingeniero. ¿Por qué hacer una casa de una forma insípida cuando uno puede diseñar algo que rompa el estereotipo de una casa? La base del diseño es la imaginación y es de ésta de donde salen las cosas mas esotéricas y fuera de este mundo. Un diseñador como el arquitecto debe ser capaz de utilizar su imaginación como una fuente infinita de ideas.

- Buen gusto y sutileza: En mi opinión un arquitecto debe diseñar cosas elegantes, y lo elegante es tener buen gusto. ¿Qué es el buen gusto? Es lo que nos hace sentir cómodos mirando un trabajo, es lo que encaja pero a la vez sobresale.

Foto: Torre de telecomunicaciones de Montjuïc, Barcelona, España
Arquitecto: Santiago Calatrava